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[TRADUCCIÓN] 24/03/21 – Weverse Magazine: Conociendo el arte moderno y contemporáneo coreano con RM

Echa un vistazo a los artistas favoritos del músico

Incluso cuando solo tienes un interés pasajero en algo, si lo haces junto a otra persona, puedes sentir la anticipación de los pies a la cabeza. No puedes evitar sentir cierta unión, aunque estéis en lugares diferentes, cuando compartís vuestros pensamientos y sentimientos: las conversaciones durante este momento especialmente íntimo te acercan un poco más a esa persona que parece lejana.

RM, el líder de BTS, no duda en mostrar su amor y su buen gusto por el arte. No se limita a hablar de lxs artistas y las obras de arte que admira; comparte este afecto con mucha gente donando a causas relacionadas con el arte, y todo es posible porque está muy enamorado del placer que ofrece el arte. RM dice que se siente descansado e inspirado después de ver arte, lo que a su vez hace que nosotrxs también sintamos más curiosidad por las artes.

¿Cómo se ve el mundo del arte a través de los ojos de RM? El crítico de arte Jangro Lee explora esta cuestión profundizando en lxs artistas y obras de arte que más interesan al músico.

Kim Whanki

Lxs artistas y el público en general tienen ahora más oportunidades de comunicarse a través de diversos medios, por lo que, además de sus obras, lxs fans también prestan atención a las acciones de lxs artistas. Tal es el caso de una foto de RM junto a Eternal Song, una de las obras de Kim Whanki, cuando se presentó en una exposición celebrada en el Museo de Arte de Seúl.

En esta obra, Kim recurre con frecuencia a motivos naturalistas y a imágenes que, a su juicio, revelan mejor las emociones coreanas, y las gruesas pinceladas del lienzo maximizan el impacto de la textura, una característica notable en las obras de la escena artística parisina de la época. Kim se concentró durante este periodo de su vida en producir obras que fueran poéticamente coreanas y, al mismo tiempo, en intercambiar ideas con sus contemporáneos más conocidos. Describió las cualidades únicas de sus obras maestras como algo parecido a sus propias y poderosas canciones, por lo que, en esencia, trataba de escribir las suyas propias. Visto desde esta perspectiva, Eternal Song resulta aun más significativa. Imágenes como los pájaros, las montañas, los ciervos, las nubes, la cerámica y otras simbolizan la inmortalidad de la naturaleza y la tradición; como las canciones se han considerado durante mucho tiempo poemas con sonido, Kim muestra en su lienzo el lenguaje formativo en el que se escriben los poemas ricos en imágenes. La técnica disciplinada y el uso armonioso del color, plasmados en la composición plana y la forma simplificada, caracterizan esta obra, que se considera que capta plenamente las opiniones y la identidad de Kim como artista plástico y escritor literario. Sin embargo, el estilo de Kim no dejó de evolucionar aquí; tras un tiempo en Nueva York, siguió adelante para crear su ampliamente reconocida serie de pinturas de puntos en lienzo completo. Utiliza puntos repetidos, o puntos, como estructura básica, pero las líneas que rodean los puntos en los lienzos de Kim y los repetidos cambios de color son totalmente originales. Una de sus series más famosas, Where, in What Form, Shall We Meet Again?, que toma su nombre de la última frase de un poema de Kim Kwang-seop titulado “In the Evening”, está llena de un impresionante despliegue de estos puntos azules, que a su vez representan los pensamientos y la añoranza del artista por su país natal. Los puntos no se aplican limpiamente, sino que se diluyen y se embadurnan, cubriendo el lienzo con diferentes tonos de azul. Los puntos se emborronan y se extienden, encontrándose entre sí y pasando de una serie de elementos solitarios a una forma abierta y expandida para demostrar la armonía de la moderación y la magnificencia. Con estas técnicas que muestran las diferencias en sus métodos, pero el uso constante de los motivos coreanos y el naturalismo, las obras de Kim se mantendrán para siempre como canciones eternas.

Lee Ungno

El arte moderno coreano comenzó en la era del artista y continúa aún hoy. La fuerza motriz que mantiene la corriente en movimiento a pesar de la agotadora historia de la nación son lxs artistas que crean dentro de su ámbito y empujan constantemente al cambio, y por ello el mundo que se muestra en la obra de estxs artistas es, sin excepción, una proyección basada en la realidad del mundo que han experimentado.

RM publicó en internet una foto de Bamboo, de Lee Ungno, en la que contaba a sus seguidorxs que había visitado la exposición titulada The Square: Art and Society 1900–2019 en el Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo. RM también hizo gala de su amor por el arte destacando la serie People y señalando que es una obra posterior del mismo artista. La obra de Lee es especialmente interesante cuando se revisa cronológicamente, ya que al hacerlo se destaca su cambio de estilo. Sus primeras obras eran de las llamadas cuatro plantas graciosas en tinta, que lo establecieron firmemente en el campo del arte tradicional coreano. Lee tenía un gran interés y afecto por el bambú: Se dice que pintó exclusivamente bambú durante los siete años siguientes a su victoria en la Exposición de Arte de Joseon en 1924. El bambú en el arte se asocia tradicionalmente con los nobles, sugiriendo un pensamiento recto y una integridad. La maestría de Lee como pintor de mukjukhwa, o bambú en tinta, que había fomentado desde su juventud, es claramente evidente en Bamboo, el cuadro de Lee de 1971 que publicó RM. El bambú está expresado de forma realista con variaciones en la saturación de la tinta en pantallas que alcanzan los tres metros de altura y da la bienvenida al público a lo que parece un auténtico bosque de bambú. La obra de Lee durante este periodo es especialmente vibrante y hace hincapié en las hojas del bambú, así como en las variaciones de las juntas, de forma más expresiva que antes. Aunque estas obras se mantienen dentro del género mukjukhwa, podemos ver los cambios en el estilo de Lee a lo largo del tiempo. En sus últimos años, Lee pasó a crear la ya conocida serie People, que muestra una multitud de figuras humanas pintadas con pinceladas que recuerdan a la caligrafía. Las figuras de los cuadros parecen correr en una dirección, como si el anciano Lee expresara la vitalidad del espíritu humano más allá del ámbito de la historia y la civilización.

Yun Hyong-keun

Como hemos visto, es natural que el carácter de un artista — es decir, su espíritu y su actitud ante la vida — esté impregnado en su obra. Este sentido del carácter y de las imágenes que produce es la fuerza principal que nos permite disfrutar de las obras de arte, dejándonos sumergir en una profunda fascinación al verlas. Por lo que hemos visto, RM se siente atraído e intrigado por el arte de Yun Hyong-keun, habiendo visitado exposiciones en Seúl, así como en Venecia y Nueva York, mientras viajaba. Esto no es una hazaña fácil sin pasión, por lo que es fácil ver el interés y el afecto que RM siente por Yun y su obra.

Las obras de Yun, que, como señala con entusiasmo RM, difieren en función de la edad que tenía el artista cuando pintó una determinada, son más conocidas por su dansaekhwa, o pintura monocromática , pero las primeras obras pintadas en su juventud son brillantes abstracciones. El sentimentalismo lírico de sus primeras obras parece haber sido un reflejo de la influencia de su mentor y suegro, Kim Whanki, sobre Yun, pero tras una falsa acusación de violar las leyes anticomunistas y su posterior liberación de la cárcel, la obra de Yun adoptó la atmósfera y los colores más oscuros con los que hoy lo asociamos más fácilmente. Los observadores se quedan invariablemente con una intensa impresión del resentimiento y la pena que angustiaban a Yun cuando miran las columnas negras de sus lienzos. El tono negro, que recuerda a la tinta, no se creó realmente con pintura negra, sino como resultado de las capas de ámbar quemado (rojo intenso) y azul ultramar (azul intenso) que Yun aplicó repetidamente al lienzo. Las pinturas se colocan en capas sobre el lienzo imprimado con pegamento para que los colores corran libremente, mostrando los diversos colores que parecen extenderse involuntariamente pero con sutileza desde la oscuridad. Del mismo modo, el espectador puede leer en la compleja emoción atmosférica de las bandas verticales de color de su serie Umber-Blue de toda la vida al mezclarse con el espacio blanco de los márgenes exteriores. Dado que los colores y los márgenes de las obras varían en función de la época y la situación en la que se pintó cada una, la inmersión total en una obra determinada procede de un análisis adecuado del entorno y el proceso de pensamiento de Yun en el momento en que pintaba.

Kwon Dae-sup

Hasta ahora hemos hablado principalmente de la pintura, pero no son las únicas obras de arte que encarnan la historia y las tradiciones coreanas. Eso no quiere decir que las obras que heredan de la tradición estén siempre excluidas de la lista de géneros artísticos, pero ninguna lista estaría completa sin la cerámica de Kwon Dae-sup. RM, que subió a sus redes sociales una foto con uno de los tarros de luna de Kwon en sus brazos, se refirió con admiración a Kwon como un maestro de la estética coreana mientras veía sus obras en una exposición. Los tarros de luna, una cerámica de porcelana fabricada originalmente a finales del periodo Joseon, son una cerámica coreana representativa, famosa por su suave color blanco y sus curvas. Aunque se especializó en pintura, Kwon quedó fascinado con la forma y la imagen de los tarros de luna y, desde entonces, trabaja como artista de la cerámica. Es natural que los tarros lunares de Kwon — que ha estado trabajando y perfeccionando durante años, y que están hechos con el espíritu y las técnicas asociadas a la porcelana blanca tradicional — sean reconocidos como obras maestras; son un refinamiento de la forma básica de los tarros lunares, limpios y sin defectos, con un minimalismo muy adecuado a la sensibilidad moderna.

Dado que los grandes tarros lunares son difíciles de fabricar en una sola pieza, la parte superior y la inferior deben elaborarse por separado y fundirse juntas utilizando habilidades muy refinadas, un proceso que subraya la distinción entre la estética y el acabado de cada artista, con las inevitables imperfecciones de la forma redonda que añaden belleza a cada tarro. Aunque siempre son blancos, el hecho de que el artista controle el grado de claridad o nubosidad de los frascos mediante la maniobra del fuego en el horno demuestra lo difícil que es este proceso. La calidad discreta pero cálida del tarro lunar se refleja en la sinceridad de estos detalles. Este refinado equilibrio revela el deseo de Kwon de crear algo sencillo y tradicional, mientras que las diminutas irregularidades confieren a cada tarro una efervescencia única. En manos de un artista con sensibilidad moderna, este proceso de creación de cerámica tradicional, como el tarro de la luna, señala con precisión dónde se cruzan la tradición y la modernidad, y enriquece nuestra experiencia estética como espectadorxs.

Joung Young-ju

Al igual que podemos encontrar consuelo y calidez en los elementos tradicionales de una obra, a veces nos encontramos, aunque no sepamos por qué, añorando algo cuando resurgen emociones de nuestro pasado. Tal vez por eso, la ciudad de la artista Joung Young-ju, Disappearing Landscape, y la emoción que despierta nos resultan tan familiares.

Las obras de la serie, que captan escenas de antiguos barrios de chabolas, tienen un aspecto tan realista como el de una fotografía, pero están realizadas con una técnica llamada papier collé, que incorpora diferentes materiales adheridos a un lienzo. El papel tradicional coreano conocido como hanji se arruga y se recubre con pintura acrílica para resaltar el paisaje de un antiguo barrio, mostrando las huellas del tiempo a medida que el color y la textura del papel consiguen un efecto tridimensional. Fiel al nombre de la serie, la perspectiva hace que las casas de Disappearing Landscape aparezcan borrosas, en línea con el tema de evocar los recuerdos del pasado antes de que todo desaparezca. Joung vierte en sus obras sus sentimientos personales de comodidad asociados a una pequeña ciudad natal, de modo que quienes las ven sienten inevitablemente una cálida nostalgia, independientemente de que hayan visto esas vistas en persona o no. Curiosamente, en su recreación de tiernos recuerdos de barrio, Young no incluye a ninguna persona en la imagen. La razón más probable por la que sentimos la vivacidad y la nostalgia en cada cuadro a pesar de la ausencia de personas es el conjunto de casas brillantemente iluminadas que llenan el lienzo. Como siempre ocurre, lo que vemos a primera vista no es todo lo que se nos dice, y nos resulta bastante fácil imaginar a toda la gente del barrio pasando el tiempo en sus casas; nuestra imaginación nos lleva a un lugar de memoria lírica en las obras de Joung.

Kang Yobae

La memoria y el significado que se le atribuye son diferentes para cada persona. El artista Kang Yobae, que nació y creció en la isla de Jeju, asocia la memoria principalmente con el tiempo y el lugar en relación con Jeju. Su obra se centra en la naturaleza y la historia de la isla.

RM mencionó un libro que ha estado leyendo recientemente: The Depth of Landscape, una recopilación del arte de Kang junto con sus escritos personales que exploran su vida y sus obras. El libro, una investigación sobre el pensamiento y la lógica que Kang ha puesto en su arte, es una lectura intrigante en sí misma, pero es especialmente digna de mención dado lo raro que es que lxs artistas coreanxs escriban sobre su propia obra. El libro de Kang comienza con la frase: “Me crié en la isla, y he vuelto a la isla”. Figura destacada del arte y el movimiento Minjung (“del pueblo”) de la década de 1980, Kang llenó sus cuadros con los dolorosos pero poderosos recuerdos de su ciudad natal, y concretamente del levantamiento de Jeju. Sin embargo, muchas de sus obras también arrojan luz sobre el lado natural de la isla. Mezcla la pintura tradicional de paisajes con técnicas occidentales y muestra las cuatro estaciones del año, pero en el lienzo ocurren más cosas de las que pueden parecer inmediatamente. El recuerdo que Kang tiene del paisaje está lleno de vida e historias, lo que lo hace necesariamente diferente de cómo lo ven lxs espectadorxs. Aunque ellos miran el mismo mar y el mismo cielo que él, Kang reconstruye las escenas a través de su memoria de la historia que hay detrás y de las historias que contienen. En particular, el viento, un elemento común de su obra, está pintado con pinceladas delicadas y desenfadadas para captar la sensación de tiempo y lugar, y el entorno animado que hay en él. Los vientos ilustrados de Kang agitan el corazón de lxs observadorxs con lo que su propio corazón ha afrontado y sus puntos de vista de cada momento a lo largo de toda su vida.

Fuente: Weverse
Trad. Español: BTS Spain
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